Соц-арт

Соц-арт — одно из наиболее изве­стных направлений советского искусства 1970— 1980-х годов, сложившееся в рамках так называемой альтернативной культуры, противостоявшей государственной идеологии. Соц-арт стал своеобразной эстетической реакцией на засилье официальной пропаганды в культуре тех лет. Используя расхожие символы, лозунги и знаки социалистической агитации (серп и молот, звезда, красное знамя, пионерский салют, портреты вождей и др.), соц-арт развенчивал в игровой форме их истинный смысл, раскрепощая тем самым восприятие зрителя от идеологических стереотипов. Гротеск, ирония, острые подмены и свободное цитирование любых пластических приемов и стилей стали основой его броского, сознательно эклектического художественного языка, во многом совпадавшего с методами бурно развивавшегося в те же годы постмодернизма.

Пародийный термин «соц-арт», буквально обозначающий социалистическое искусство, был предложен основателями движения московскими художниками В.А. Комаром и А.Д. Меламидом по аналогии с поп-артом. Соц-арт не был жестко очерченным стилевым направлением с набором обязательных мировоззренческих установок и эстетических догм. Он объединял весьма различных по своей манере авторов. Создатели соц-арта определили это течение как «игру с идеологией», они стремились в гротескной форме показать всю нелепость массовой идеологии и кризис социалистического реализма.

Картины художников этого направления на первый взгляд выглядят вполне достоверно. Однако всматриваясь, к примеру, в пионерскую символику — красный галстук, барабан, горн, пионерский салют, постепенно начинаешь понимать, что изображены они не для того, чтобы прославлять счастливое детство в советской стране, а для того, чтобы показать лживость и пустоту привычных символов, разочарование в идеалах социализма. В.А. Комар и А. Д. Меламид выразили свою методологию работы с советскими стереотипами в таких картинах, как «Двойной автопортрет в виде пионеров», «Цитата», «Пачка сигарет "Лайка"», «Не болтай», «Спасибо тов. Сталину за наше счастливое детство» и др.

По способам и техническим приемам соц-арт — типичный поп-арт, соединивший живопись, скульптуру и реальные вещи, представленные в абсурдных сочетаниях. К кругу соц-арта примыкали на протяжении 1970-х годов группы художников «Гнездо», «Мухоморы», Г. Д. Брускин и др. Например, картины серии «Фундаментальный лексикон» Г. Брускина напоминают о стоявших когда-то повсеместно гипсовых статуях пионеров, спортсменов, солдат. Каждый из персонажей держит в руках соответствующий символ. Это театр фигур, представляющих определенную знаковость советского времени. В дальнейшем Г.Брускин воплотил образы «Фундаментального лексикона» в росписях фарфора (по аналогии с советским агитационным фарфором) и в скульптурных фигурах в человеческий рост. Известность обрушилась на соц-арт в годы «перестройки». С конца 1980-х годов он вышел на международную художественную арену и стал едва ли не ведущим направлением. Однако политическая переориентация общества в годы перестройки не только вывела соц-арт на орбиту моды, но и предопределила его закат, так как сделала неактуальной содержательную основу его иронических образов.

Дмитрий Дмитриевич Жилинский (р.1927) воплотил в своем творчестве «неоклассический» стиль («У моря. Семья», «Гимнасты СССР»). Одна из его работ носит «программное» название «Разговор о Дюрере и Кранахе» (1978), так как автор увлекался искусством итальянских и немецких мастеров Возрождения. В произведениях Жилинского царит торжественная атмосфера. Он изображает свою семью и самых близких людей, каждое событие в жизни которых полно глубокого общечеловеческого смысла («Ожидание», «Художник и модель», «Художник и Жилинская»). Даже в аллегорическую композицию «Времена года» Жилинский включил своих родных. Он писал картины темперой, предоставляющей широкие живописные возможности.

Виктор Ефимович Попков (1932 — 1974) был живописцем и графиком. Его глубоко волновала тема одиноких вдов, иссушенных неизбывным горем — наследием страшной войны («Воспоминания. Вдовы», «Одна», «Старость», «Сени», «Северная песня» и др.). Глубоко личными переживаниями наполнено полотно Попкова «Шинель отца». Здесь и взаимосвязь поколений, и судьба России, и роль художника в обществе. Попков очень любил жанр портрета, и особенно автопортрета («Мой день», «Работа окончена», «Мать и сын», «Художник в деревне»).

Одна из последних работ художника — «Хороший человек была бабка Анисья». Ее сюжет — похороны старой крестьянки, которую уважала и любила вся деревня. Смерть трагична, но после ухода старой женщины остались ее добрые дела. Огромную роль в картине играет осенний пейзаж. Красота и умиротворение увядающей природы передаются людям. Сквозь золото осенней листвы проглядывает зелень озимых. Эти цвета звучат жизнеутверждающе.

Скульптор и график Эрнст Иосифович Неизвестный родился в 1925 г. в Свердловске (ныне Екатеринбург). Он стал героем в годы войны, но вынужден был уехать из советского тоталитарного государства. За границей Неизвестный прославился как талантливый художник. Он член Шведской королевской академии наук, Нью-Йоркской академии искусств и наук и Европейской академии искусств, естественных и гуманитарных наук. Однако сложные и вызывающие работы Не­известного не всеми оценивались одинаково. В наше время он вновь получил признание на родине. Художник определяет свое искусство как «организм, где каждая часть выполняет принадлежащую ей функцию, где эти части составляют эстетическое единство». В рамках этой концепции Неизвестный замечательно использует прием деформации формы, делая ее более выразительной и динамичной. В своих скульптурах, картинах и рисунках он совмещает элементы естественной природы и техники, соединяет различные стили искусства для выражения духа современности. Многогранное авангардное искусство Неизвестного основано на концепции синтеза искусств. Важнейшие произведения Неизвестного — мемориал «Каменные слезы», монумент «Цветок Лотоса» на Асуанской плотине в Египте, монумент «Новая статуя Свободы», надгробие Н.С.Хрущева в Москве, крест в музее Ватикана, серии гравюр и рисунков к произведениям Ф.М.Достоевского, Данте.

Работы Неизвестного «Атомный взрыв» (1957), «Дафна» (1963), «Сердце Христа» (1973—1975) рассказывают о борьбе извечных начал — добра и зла, которые создают или разрушают мир. Скульптуру «Кентавр», соединяющую в себе разум человека и силу природы, можно назвать символом современной цивилизации. Архитектурный монумент «Древо Жизни» — памятник творчеству человека в искусстве и науке — дело всей жизни Неизвестного. Модель монумента была создана в 1968 г. Через единение искусства и науки «Древо Жизни» воплощает единение Веры и Знания. Художник включил в композицию ленты Мёбиуса, закручивающиеся вверх, которые символизируют бесконечность. «Древо Жизни» символизирует не только жизнь земную (дерево, сердце), но и преодоление смерти, воскресение и жизнь вечную (Крест, Христос).

Михаил Михайлович Шемякин родился в 1943 г. в Москве. В 1964 г. он стал лидером объединения «Санкт-Петербург», художники которого свой подход к искусству назвали «метафизическим синтетизмом». Метафизическое искусство, чтобы постичь законы природы, позволяет сделать невидимое видимым, неошущаемое ощущаемым. Шемякина и его товарищей увлекало многообразие духовного опыта человечества, древних религиозных канонов, они разрабатывали авангардные формы искусства, что было несовместимо с официальной советской доктриной.

В 1971 г. Шемякин был изгнан из СССР. Он жил в художественных столицах мира — Париже и Нью-Йорке. В настоящее время его искусство с триумфом возвратилось на родину. Шемякин — участник более 500 выставок, почетный доктор пяти университетов. Произведения М.Шемякина находятся в музейных и частных коллекциях многих стран мира, в том числе музее Метрополитен (Нью-Йорк), Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее.

Творчество Шемякина многогранно. Он — скульптор, график, живописец, философ, искусствовед. Лучшие работы художника: «Автопортрет» (1986— 1989), «Петрушка», «Курильщик» (посвящен Врубелю), «Голова лисы», «Средневековый шут», «Портрет Нежинского», «Венецианский сон», «Балаганчик», серия картин и скульптур «Карнавал Санкт-Петербурга» и др.

Во дворе ансамбля Петропавловской крепости в Санкт-Петербурге установлена скульптура Петра Великого. Шемякин создал свободную авторскую вариацию известной «Восковой персоны» Растрелли-старшего. Пугающая пластика раскрашенной и одетой-обутой «восковой персоны», затвердев в бронзе и будучи перенесенной под открытое небо, вызвала многообразные

Метафизика ( после физики) — в традиционной и классической философии учение о сверхчувственных основах и принципах бытия, отклики и оценки — от резко отрицательных до хвалебных. Мощное искусство Шемякина сродни театру, необычному и непредсказуемому. Это карнавал красок, характеров, чувств. Его истоки — в наскальных росписях, искусстве народов Океании, европейском костюме, русском фольклоре и др. Каждый персонаж вылеплен из фантазий и тайн. Шемякин создавал свои произведения на основе различных природных форм (кости, скелеты, огрызки яблок, камни и др.) и предметов декоративного искусства и дизайна (рукоятки и лезвия ножей, оружие и т.п.).

В работах Шемякина линии прихотливо пересекаются, краски озадачивают, композиции выглядят хаотично, но на самом деле все подчиняется внутреннему порядку и разумной цели. Шемякин — мастер метафизического исследования, эксперимента, цель которого — не отобразить реальность, а проникнуть в ее суть, проанализировать и запечатлеть. В своих пастелях на черной бумаге художник до конца использует способность каждого цвета создавать иллюзорную глубину. Варьирующиеся по цвету или ширине линии вызывают ощущение отступающих и пересекающихся планов. Каждая линия существует как бы в отдельном пространстве. И это вовсе не традиционная ренессансная глубина, полученная за счет линейной и воздушной перспективы или игры светотени.

Шемякинская линия — это сильная линия XX в. Она всегда динамична. Его «мгновенная импровизация» — это развивающийся диалог между линией, только что проведенной, и той, что вот-вот появится. Такой сложный творческий процесс был бы не возможен без поистине виртуозной техники, позволяющей Шемякину рисовать с поразительной точностью и быстротой. «Голова лисы» представляет собой замечательную иллюстрацию современной концепции линии. Сложными перекрестными цветными штрихами художник добивается ощущения глубины. Геометрия ярких линий дает почти голографический эффект, голова, напоминающая о космических мирах, похожа на ночной город, над которым летит в блеске огней идущий на посадку самолет.

На протяжении долгих лет Шемякин неустанно экспериментировал с фактурой. В ранних гуашах на бумаге поиски фактуры привели художника к виртуозной, почти пуантилистской технике. Однако только в последних работах, таких, как фактурные натюрморты, серии «Епископы» и «Туши», ему удалось найти прямой путь к чувственному восприятию зрителя. В течение длительного времени художник не позволял цвету возобладать над фактурой. Его поиски сосредоточивались на тончайших переходах тона. Вариации серого тона по серому в ряде его картин могут восприниматься зрителем как вызов. В полотнах последнего времени («Садовники», «Крысы», «Трансформация с пещерного рисунка аборигенов» и др.) Шемякин раз­решает цвету сосуществовать с фактурой, для того чтобы придать каждому холсту эмоциональный заряд и чувство актуальности.

В современном искусстве границы, некогда разделявшие живопись и скульптуру, нередко стираются. Скульптуры Шемякина — естественное продолжение его полотен. В медных рельефах и бронзовых скульптурах через доскональное знание фактуры в сочетании с тонким пониманием формы раскрывается еще одна грань огромного таланта художника.

Вопросы и задания

1. Охарактеризуйте русский авангард первой половины XX в.

2. Расскажите о художественных объединениях «Бубновый валет» и «Ослиный хвост».

3. Какие темы воплощал в творчестве К. С. Петров-Водкин?

4. В чем состоит своеобразие творчества М. Шагала?

5. Расскажите о творчестве В. Кандинского.

6. В чем состояли живописные приемы П.Филонова.

7. Как идеи супрематизма К. Малевича повлияли на дальнейшее развитие искусства?

8. Охарактеризуйте проявления конструктивизма в русском изобразительном искусстве.

9. Как развивал принципы конструктивизма Эль Лисицкий?

10. Какими видами искусства занимался А. Родченко? Что нового он привнес в изобразительное искусство?

11. Расскажите о произведениях художника-конструктивиста В.Татлина.

12. В чем состоит концепция художников соцреализма?

13. Как скульпторы Н.А.Андреев, С.Т.Коненков, В.И.Мухина и И.Д.Шадр воплощали идеи соцреализма?

14. Как передавал образы новых людей А. М. Герасимов? 15. Какие произведения А. А.Дейнеки были наиболее характерны для соцреализма?

16. Как историко-революционная тематика отражена в двух главных картинах Б. В. Иогансона?

17. Расскажите об особенностях историко-героических полотен П.Д.Корина.

18. Какая тема была главной в творчестве Ю. И. Пименова? Приведите примеры.

19. Где искал темы и сюжеты для полотен А.А.Пластов? Приведите примеры.

20. Расскажите о творчестве художников «сурового стиля» Г. Коржева, А.Иванова, Т. Салахова.

21. Приведите примеры акций московских концептуалистов.

22. Что вам известно о соц-арте? Какие художники являются его представителями?

23. Что было характерно для творчества Д.Жилинского?

24. Расскажите о наиболее значимых произведениях В. Попкова.

25. Расскажите о творческом пути Э. Неизвестного.

26. Какие традиции развивал в своем творчестве М. Шемякин?