Живопись К. Брюллова
Карл Павлович Брюллов ещё студентом имел репутацию молодого гения. Позже, когда художник стал знаменитым, его прозвали Великим Карлом. Мастер сумел найти золотую середину между господствовавшим в академической живописи классицизмом и новыми романтическими веяниями. Брюллов учился живописи с раннего детства: сначала дома — несколько поколений семьи Брюлло ( так звучала эта французская фамилия, позднее переделанная на русский лад) были художниками, — а с 1809 по 1821 г. в Петербургской академии художеств. Общество поощрения художников направило Брюллова за границу. В Риме он написал множество картин из жизни современной Италии: запечатлел немало итальянок, красота которых в начале XIX в. считалась совершенной. У героинь брюлловских картин правильные черты, безупречный овал лица, обрамленный чёрными, как смоль, волосами. Эти полотна словно излучают южного солнца.
Для картины «Итальянский полдень» (1827 г.) мастер выбрал не юную модель, а зрелую женщину, чья красота в его глазах олицетворяла собой полдень жизни. Однако обращение к натуре, далёкой от изящных классических пропорций вызвало неудовольствие в Обществе поощрения художников. Тогда Брюллов отказался от пансиона и стал независимым живописцем.
Именно в Италии Брюллов создал свои первые портреты-картины. На знаменитом полотне «Всадница (1832 г.) изображены воспитанницы графини Ю. П. Самойловой: старшая сестра на вороном коне подъезжает к дому, а младшая, выбежав на крыльцо, с восторгом смотрит на неё. В отличие от традиционных портретов здесь показаны герои в движении. Оно подчиняет главному персонажу других действующих лиц и предметы, объединяя их в гармоничную композицию. Темой портрета-картины становится, по словам художника, «человек в связи с целым миром».
Ещё в 1827 г. Брюллов посетил раскопки античного города Помпеи, который был погребён под толстым слоем лавы и пепла во время извержения Везувия в 79 г.
«Последний день Помпеи» (1830— 1833 гг.) стал самым известным произведением мастера. Мотив катастрофы, неистовства сил природы, эффектное грозовое освещение — всё это характерно для романтической идеи господства рока и стихии над человеком. В картине нет главного героя, обязательного в исторической живописи классицизма. Но все персонажи написаны в академическом духе: их позы красивы и величественны, они похожи на античные статуи, волнение и ужас отражаются лишь на лицах. Среди многочисленных охваченных паникой героев картины выделяется фигура художника, несущего ящик с красками. Это автопортрет Брюллова, который изобразил себя в роли участника трагедии.
Во время работы Брюллов тщательно изучил свидетельства современников катастрофы и открытия археологов. Для некоторых персонажей (мать с дочерьми на первом плане слева, женщина, лежащая в центре) художник использовал слепки, сделанные во время раскопок (в пустоты, образованные в пепле телами погибших, заливался гипс, который, застывая, воссоздавал их предсмертные позы)
И в Италии, и в России, где полотно «Последний день Помпеи» было выставлено в Академии художеств, Брюллова ждал триумф. Поэтому когда в 1835 г. он вернулся на родину, император Николай I заказал ему картину на тему, взятую из отечественной истории, — «Осада Пскова польским королём Стефаном Баторием в 1581 году» (1839— 1843 гг.). Сам художник называл эту неудачную работу «досадой от Пскова» и не закончил её. Больше он к исторической живописи не возвращался.
Брюллов много работал в жанре портрета. Поэта и драматурга Нестора Васильевича Кукольника живописец запечатлел в образе романтического героя, охваченного разочарованием и безысходностью (1836 г.).
В «Автопортрете» (1848 г.) нет традиционных атрибутов живописца — палитры, кистей и т. д. Тонкая нервная рука Великого Карла устало свисает с подлокотника кресла. Руки на портретах Брюллова всегда очень выразительны: они «договаривают» то, на что лишь намекают лица.
В 1849 году Брюллов из-за болезни вновь уехал за границу, в и Риме он провел последние годы жизни.
Композиторы Венской классической школы
( В.Моцарт, Л. Бетховен)
Когда сегодня говорят о классицизме в музыкальном искусстве,
в большинстве случаев имеют в виду творчество композиторов 18 века:
Глюка, Гайдна, Моцарта, Бетховена, которых мы называем венскими классиками или представителями Венской классической школы. Это новое направление в музыке стало одним из самых плодотворных в истории музыкальной культуры. Венские композиторы-классики сумели не только подытожить все лучшее, чего достигла европейская музыка, но и сделать собственные творческие открытия.
В.-А. Моцарт
Путь Вольфганга Амадея Моцарта (1756—1791) в музыке начинался ярко и блистательно. С самых ранних лет жизни его имя стало легендой. В четыре года ему требовалось полчаса, чтобы разучить менуэт и тут же сыграть его. В шесть лет он вместе с отцом Леопольдом Моцартом, талантливым музыкантом капеллы архиепископа города Зальцбурга, гастролировал с концертами по Европе. В одиннадцать — сочинил первую оперу, а в четырнадцать — дирижировал на премьере собственной оперы в театре Милана. В том же году он получил почетное звание академика музыки Болоньи.
Однако дальнейшая жизнь талантливого композитора сложилась непросто. Положение придворного музыканта мало чем отличалось от положения услужливого лакея, выполняющего любые прихоти своего хозяина. Не таков был характер Моцарта, человека независимого и решительного, больше всего в жизни ценившего понятия чести и достоинства. Пройдя многие жизненные испытания, он ни в чем не изменил своим взглядам и убеждениям.
В историю музыкальной культуры Моцарт вошел как блистательный сочинитель симфонической музыки, создатель жанра классического концерта, автор «Реквиема» и трех оперных шедевров: «Свадьбы Фигаро», «Дон Жуана» и «Волшебной флейты». Подчеркивая значение его творческого наследия, А.С.Пушкин говорил:
Ты, Моцарт, Бог, и сам того
не знаешь...
В оперном искусстве Моцарт прокладывал собственную дорогу, отличную от своих знаменитых предшественников и современников. Редко используя мифологические сюжеты, он главным образом обращался к литературным источникам: средневековым легендам и пьесам известных драматургов. Моцарт впервые соединил в опере драматическое и комическое начало. В его оперных произведениях нет четкого деления персонажей на положительные и отрицательные; герои то и дело попадают в самые различные ситуации, в которых проявлялась суть их характеров.
В отличие от Глюка, выдвигавшего на первый план роль звучащего слова, Моцарт придавал первостепенное значение музыке. Его творческим принципом стали собственные слова о том, что «поэзия должна быть послушной дочерью музыки». В операх Моцарта возросла роль оркестра, с помощью которого автор мог выразить свое отношение к действующим лицам. Нередко он проявлял сочувствие к отрицательным героям, а над положительными не прочь был от души посмеяться.
«Свадьба Фигаро»(1786) была поставлена по пьесе французского драматурга Бомарше (1732—1799) «Безумный день, или Женитьба Фигаро». Моцарт сильно рисковал, выбирая для постановки запрещенную цензурой пьесу. В результате появилась веселая опера в стиле итальянской комической оперы-буфф. Энергичная, легкая музыка, звучащая в этом произведении, заставляла зрителей серьезно задуматься над жизнью. Один из первых биографов композитора очень точно подметил:
«Моцарт сплавил воедино комическое и лирическое, низкое и возвышенное, смешное и трогательное и создал невиданное по своей новизне творение — «Свадьбу Фигаро».
Цирюльник Фигаро, человек без рода и племени, хитростью и умом побеждает сиятельного графа Альмавиву, который не прочь приударить за невестой простолюдина. Но Фигаро хорошо усвоил нравы высшего света, а потому его не провести утонченными жестами и словесной паутиной. За свое счастье он борется до конца.
В опере «Дон Жуан» (1787)трагическое и комическое, фантастическое и реальное переплетены не менее прочно. Сам Моцарт не случайно дал ей подзаголовок «Веселая драма». Следует подчеркнуть, что тема донжуанства была не нова в музыке, но в ее раскрытии Моцарт нашел особые подходы. Если раньше в центре внимания композиторов были дерзкие похождения и любовные авантюры Дон Жуана, то теперь перед зрителями представал обаятельный человек, преисполненный рыцарской отваги, благородства и мужества. С большим сочувствием Моцарт отнесся и к раскрытию душевных переживаний оскорбленных им женщин, ставших жертвами любовных интриг Дон Жуана. Серьезные и величественные арии Командора сменялись веселыми и озорными мелодиями хитроумного Лепорелло, слуги Дон Жуана.
Музыка оперы полна движения, блеска, необычайно динамична. В этом произведении царствует мелодия — гибкая, выразительная, пленительная в своей свежести и красоте. Партитура изобилует чудесными, виртуозно разработанными ансамблями, великолепными ариями, дающими певцам широчайшие возможности выявить все богатства голосов, продемонстрировать высокую вокальную технику.
В симфонической музыке Моцарт достиг не меньших высот. Особой популярностью пользуются три последние симфонии Моцарта: ми-бемоль мажор (1788), соль минор (1789) и до мажор, или «Юпитер» (1789). В них прозвучала лирическая исповедь композитора, его философское осмысление пройденного жизненного пути.
Моцарту принадлежит заслуга в создании жанра классического концерта для различных музыкальных инструментов. Среди них 27 концертов для фортепиано с оркестром, 7 для скрипки с оркестром, 19 сонат для фортепиано.
С ранних лет, играя почти ежедневно, он выработал виртуозную манеру исполнения. Всякий раз он предлагал слушателям новые сочинения, поражая их творческой фантазией и неистощимой силой вдохновения. Одно из лучших сочинений Моцарта в этом жанре — концерт для фортепиано с оркестром ре минор(1786).
Творчество Моцарта представлено выдающимися сочинениями духовной музыки: мессами, кантатами, ораториями. Вершиной его духовной музыки стал «Реквием» (1791)— грандиозное произведение для хора, солистов и симфонического оркестра. Музыка реквиема глубоко трагична, полна сдержанной и благородной скорби.
Смертельно больной Моцарт не успел закончить это произведение. По наброскам композитора оно было доработано одним из его учеников.