Лекция 1

Построение призмы со сквозным отверстием в прямоугольной диметрии

Построение призмы в прямоугольной изометрии

Стандартные аксонометрические проекции

Прямоугольная изометрия (ГОСТ 2.317-69)

Прямоугольная диметрия, (ГОСТ 2.317-69

Задача 39. Построить прямоугольную изометрию треугольника АВС.

Задача 40. Построить изометрию пирамиды с вырезом.

Задача 41Построить прямоугольную диметрию точек А, В, С.

Задача 42. Построить прямоугольную диметрию призмы со сквозным отверстием

Дизайн - это феномен 20 века. Он сформировался под влиянием массового производства и конкурирующего рынка, дизайн сегодня - это способ увеличить продажи. Тем не менее, помимо маркетинговой функции он несет в себе также и элементы творчества. Что в дизайне важнее – реализация художественного замысла или получение максимальной выгоды от продаж? Каждый дизайнер в поисках ответа выбирает свою золотую середину.

Дизайн – проектная деятельность, направленная на улучшение, преобразование окружающего предметного мира и среды человека. Одновременно является творческой реализацией идеи и средством увеличения продаж продукта.

Например, художник, пишущий в определенном жанре получает заказ на оформление книги. Он сразу же становиться дизайнером-иллюстратором, потому что теперь от его работ зависят продажи этой книги. И, наоборот, иллюстратор, который начинает рисовать что-то ради самовыражения – становиться художником.

Если понятие «маркетинг» появилось в эпоху современной экономики, то творческая составляющая присуща человеку с самого момента его появления – еще в период палеолита древние люди преобразовывали среду проживания, разрисовывая стены пещер. Развитие проектной деятельности человечества можно представить всего в пяти эпохах:

1. Эпоха Древнего Мира. (2 тыс. до н.э. – V в. н.э.)

Главная черта творчества этой эпохи – каноничность. Канон – правило в творческой деятельности. Искусство той эпохи было весьма символичным, каноны существовали во всех сферах деятельности, особенно это характерно для изображения человека. Но правила, ограничивающие свободу художественного замысла, существовали и в производстве бытовых изделий, в обрядах, в способах расстановки мебели. Так, один и тот же производственный дефект мог воспроизводиться из поколения в поколение, поскольку того требовали каноны. Например, мастера изготавливающие мебель, раму для сидения стула делали плоской, а потому соединение ножек стула с сидением было непрочным. Это вызывало необходимость в дополнительных крепежах.

Рис. 1. Табуреты и стулья Древнего Египта

Рис. 1 Примеры канонических изображений людей в различных древних культурах - а)Древний Египет, б)Древний Шумер, в)Древняя Греция

2. Эпоха Средневековья (V – XVI вв.)

Характерной чертой этой эпохи было цеховое производство. Цех – это сообщество людей одной «профессии». Они проживали на одной улице, занимались производством одного типа изделий, и продажей этих изделий на этой же улице. Так в древних городах складывались улицы «мясницкая», «кожевенная», «гончарная», «ремесленная» и т.д. Но что еще более важно каждый цех имел свои секреты производства, определенный устав. Так, например, состоящий в цехе художников обязан был состоять и в цехе аптекарей, а архитектор – в цехе каменщиков. Таким образом, один человек, занимающийся изготовлением определенного изделия, должен был обладать обширными знаниями по добыче материала, его обработке, подготовке, выделке. Столь комплексный подход в организации знаний вызвал появление «титанов» эпохи – Леонардо Да Винчи, Микеланджело, Рафаэля и др., которые ознаменовали переход к новой эпохе проектно-художественной деятельности.

3. Эпоха Ренессанса (XVI – XVII вв.)

В эпоху ренессанса появляются первые художественные академии. Живопись, скульптура отделяются от производства, складывается понятие «чистого» искусства.

4. Эпоха Нового времени (XVII – п.п. XVIII вв.)

В этот период происходит «разделение труда» - появляются мануфактуры, на которых работа над одним изделием разделена на этапы, каждый этап воплощается определенной группой работников. Появляется специализация деятельности и, как следствие, появляются ремесленные школы и училища, инженерные институты. Именно в эту эпоху формируется понятие «декоративного искусства», происходит обособление в самостоятельные направления ремесла, «чистого искусства», техники.

5. Эпоха промышленной революции (в.п. XVIII в. – настоящее время).

Эта эпоха разделена на 4 периода:

· 1750-1870 – машинный переворот (стадия развития промышленности, определяющаяся мощным скачком в развитии техники, транспорта, добывающей промышленности);

· 1870-1945 – энергетический переворот (знаменуется переходом на новый уровень энергопотребления, развитие энергетической промышленности);

· 1945-1990-е – интеллектуально-машинная революция (создание электронно-вычислительной техники нового уровня, обладающей потенциалом большим человеческого) ;

· 1990-е-настоящее время – глобально-информационная стадия (появление глобальной сети интернет, характерна обилием доступной информации).

Основа любого дизайна – это сочетание современных научных знаний, технических разработок и искусства.

НАУКА ТЕХНИКА ИСКУССТВО – вот «три кита» хорошего дизайна.

Наука и техника

Рассмотрим период предыстории становления дизайна – начало научно-технического переворота – 18 век. Передовой державой того времени была Великобритания, именно здесь произошла великая буржуазная революция и переход на новый уровень производства. Поскольку наиболее важной отраслью промышленности в Великобритании была текстильная, то именно в ней наиболее четко прослеживаются темпы развития прогресса.

1733г. – Дж. Клей – изобретение механического ткацкого станка.

1765г. – Дж. Харгвис – создание прялки «Дженни» с 80-ю веретенами

1720г. – К. Вуд – усовершенствование станка, количество веретен – 120

1779г. – С. Кромптон – увеличение веретен станка до 400.

1786г. – Э. Картрайт – создание полностью механизированного станка

1801г. – появление первой механической фабрики.

Аналогичный прорыв переживали все типы промышленности, производство усовершенствовалось, росли темпы изготовления продукции, фабрики повсеместно вытесняли мануфактуры. Центральной фигурой в производстве становился инженер-проектировщик. С другой стороны, столь быстрый рост технических достижений и новинок повлек за собой появление промышленных выставок. Выставки эти имели международное значение, и каждая страна стремилась произвести впечатление и похвастать наиболее выдающимися достижениями. Первая всемирная промышленная выставка проходила в Лондоне в 1851г. И вошла в историю благодаря павильону, построенному специально для этого мероприятия. Он занимал огромную территорию – 564,3*124 м. и высотой был до 19,5 м. Но самым примечательным был вид этого здания - «Хрустальный Дворец» был выстроен из чугунных столбов, ферм и рам со стеклянным заполнением и напоминал огромную теплицу. Несмотря на неоднозначные отклики современников, удивительным для всех был срок возведения этого павильона – всего 4 месяца. Секретом столь быстрого строительства была конструкция – впервые в масштабном проекте архитектор Джозеф Пакстон применил унифицированные детали. Стандартизация элементов позволила сэкономить не только время, но и средства – поскольку сборка заранее изготовленных деталей не требовала высококвалифицированных рабочих.

Для гостей мероприятия в павильоне были организованы буфеты, лавочки с сувенирами, места для отдыха и даже общественные туалеты. Здание было оснащено газовым освещением и вентиляций. Вскоре после окончания выставки здание было разобрано, поскольку сама идея этого события должна была отражать динамичность современного мира. Прежняя тенденция сохранения традиции, преемственности отходила в прошлое. У архитектора в данном случае стояла задача создать нечто такое, что быстро возводится, но также быстро можно и демонтировать, когда выставка завершиться.

Рис. 3. «Хрустальный Дворец», архитектор Дж. Пакстон

Более удачная судьба сложилась у другого временного объекта всемирной выставки 1889г., проходившей в Париже. Возведенная всего за 6 месяцев, башня Густава Эйфеля также должна была быть разобрана, но после ожесточенных споров, власти приняли решение сохранить этот удивительный объект архитектуры. Многие современники называли эту башню откровенно уродливой, портящий облик города, ставшей теперь символом не только Парижа, но и всей Франции.

Рис. 4. Эйфелева башня

В России также как и в Европе проходили промышленные выставки еще с 1826г., но самой примечательной стала выставка 1896г., проведенная в Нижнем Новгороде. Инженер Владимир Шухов представил зрителям несколько объектов совершенно новой конструкции – гиперболоида. Это были деревянные или металлические стержни, скрепленные крест-накрест, удерживаемые несколькими окружностями. Оригинальность, простота конструкции вызывала восхищение, архитектура этих объектов стала гармоничным воплощением новой красоты – красоты нескрываемых элементов несущей конструкции без дополнительных декораций и украшений. Гиперболоид Шухова стал прообразом нового стиля «конструктивизм». По сей день многие архитекторы обращаются к разработанной Вл. Шуховым системе и примеры гиперболоидов продолжают появляться в различных точках земного шара.

Рис. 5. Водонапорная башня Вл. Шухова 1896г.

Рис. 6. Сидней, 1981г.

Рис. 7. Япония 1963г. (высота 108м).

Рис. 8. Китай, г. Гуанчжоу, 2010г. (высота 600м).

Организованные промышленные выставки демонстрировали прогресс научной мысли и технических достижений и выявили существующие стилевые направления в дизайне. Можно выделить два основных стиля – художественный китч и индустриальный стиль. Первый связан с традиционным подходом в декорировании поверхностей. Пышный стиль рококо, главенствующий в оформлении интерьеров того времени, влиял и на дизайн простых бытовых предметов – вне зависимости от функционального назначения внешний облик богато украшался растительными мотивами. Однако комнатные часы или микроскоп, выполненные подобным образом, не обретали дополнительных технических качеств, но делали дороже процесс производства. Это противоречие – красота формы и функциональность, заложенное в 19 веке, вылилось в 20 веке в формирование нового стиля «функционализм».

Рис. 9. Микроскоп и часы, выполненные в стиле «Художественного китч»

Другое стилевое направление – индустриальный дизайн – характерен для технических объектов, оборудования, а также для испытательных образцов. Отличается грубой отделкой деталей, отсутствием специального декора, украшений поверхностей. Мебель, выполненная в таком стиле, обычно создавалась для заводских помещений.

Рис. 10. Объекты интерьера, выполненные в Индустриальном стиле.

Такое состояние в предметном мире дизайна не могло не повлечь появления новых поисков формы объектов и новых философских течений, объясняющих взаимосвязь формы и функции. Одним из первых появилось «Движение искусств и ремесел» в Великобритании. Целью этого сообщества было возрождение традиционного ремесленного искусства. Основатели движения полагали, что фабричное производство ведет к деградации товаров и потребителей. Соответственно, улучшая бытовую обстановку людей, можно улучшать их жизнь, а общество можно реформировать с помощью дизайна. Одним из основателей был Уильям Моррис – энергичный деятель своей эпохи – художник, публицист, философ. Пытался на практике осуществить идеи Дж. Рескина по восстановлению приоритета ремесленного производства. Фирма «Моррис и Ко» занималась проектированием объектов интерьера. Моррис стремился осуществить переход от массовой продукции с безвкусной имитацией ручного труда к высокохудожественной ремесленной работе мастеров для широких масс. Деятельность У. Морриса и Дж. Рескина говорит о кризисе в материально-художественной культуре, о назревающей потребности создания нового стиля. Для первого этапа движения искусств и ремесел характерен ярко-выраженный орнаментализм.

Рис. 11. Примеры работ У. Морриса – обои и витраж

Лозунг «назад к ремеслу» вызвал возвращение к традиционным, национальным мотивам. В Европе наиболее часто встречаются обращения к готическим интерпретациям – «псевдоготика», а для России характерен – «псевдорусский стиль», а также «псевдовизантийский». Подобные стили являются цитирующими – применение определенных элементов происходит выборочно, чтобы создать настроение. Они отличаются особой нарядностью и торжественностью.

Рис. 12. Примеры псевдорусского стиля – здание музея в г. Иркустке, пример проекта деревянного особняка к. 19 в.

Рис. 13. Примеры Псевдовизантийского стиля – Храм Казанской Божией матери в г. Иркутске, Храм Христа Спасителя в г. Москве

Рис. 14. Пример псевдоготики – Польский костел в г. Иркутске

Рис. 15. Пример Псевдомавританского стиля – Музей истории в г. Иркутске

Для второго этападвижения искусств и ремесел характерно более стилизованное изображение растительных орнаментов. Формы становятся абстрактными, однако сохраняется плавный изгиб линий. Этот период можно считать самым началом зарождения стиля модерн.Деятели – Артур Макмердо, Чарльз Эшби, Чарльз Макинтош и др. также были страстными социалистами – стремились воссоздать гармоничное общество через искусство, презирали роскошь, агитировали за возврат к ремесленному производству, организовывали гильдии. Именно благодаря этому движению была впервые сформирована концепция влияния искусства на развитие общества.

Рис. 16. Дизайн интерьера Ч. Макинтош и ваза Ч. Эшби

Искусство

Господствующая во в.п. 19 в. академическая система художественного образования накладывала определенные рамки на творчество. Особенно остро это ощущалось в сфере живописи. Например, сюжеты ограничивались библейской тематикой и мифологией. Техника исполнения оставалась на протяжении долгого времени неизменной – сдержанные, проработанные мазки, покрываемые обязательно толстым слоем лака. Законченность, завершенность, баланс композиции, каноны при выборе параметров и размера картины (чем больше полотно, тем значимее сюжет), определенные правила изображения людей, Бога, других персонажей.

Рис. 17. Работы, типичные для стиля «Академизм»

В эпоху научно-технического прорыва, когда все старое отторгалось, повсеместно распространялся атеизм, традиции в искусстве также подверглись отрицанию. И первыми художниками, выступившими против академизма стали прерафаэлиты. Это была группа молодых, образованных людей, которые в 1848г. решили произвести переворот в живописи. Их не устраивала система образования, согласно которой приходилось ориентироваться на мастеров эпохи Возрождения. Основатели – Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Милле, Данте Габриэль Россети – вдохновлялись образцами искусства 15 в. до канонизации приемов, утвержденных Рафаэлем.

В первых своих работах молодые художники придерживались традиционного сюжета, но отказались от пирамидальной композиции и, что самое главное, внесли реализм в облик персонажей. Дева Мария, Иисус представали зрителям в бытовом облике, неотличимом от простых людей. Именно этот «излишний» реализм вызвал злую критику современников, писавших: «… Они пишут с натуры, как идиот считает тиканье часов… ».

Рис. 18. Дж. Милле «Мастерская», 1850г.

Рис. 19. Д. Россети «Благовещение», 1850г.

Последующие работы прерафаэлитов были посвящены городским сюжетам, психологическим портретам, отображающим проблемы общества, в частности, роли женщины в современном мире.

Рис. 20. У. Хант «Проснувшаяся стыдливость», 1853г.

Рис. 21. Д. Россети «Найденная», 1854г.

Особую роль в этих картинах играет символизм деталей – таких как, образ невинного ягненка, надкушенного яблока и т.д. За столь смелые высказывания о современных проблемах художники взыскали положительные отзывы Дж. Рескина – влиятельного деятеля, сторонника «движения искусств и ремесел». Его позитивная поддержка прерафаэлитав привела к их популяризации.

Важной темой в картинах художников было достоверное отображение природы. Авторы стремились писать с научной точностью, не зря говорили, что по их работам можно изучать ботанику. Чтобы добиться такого соответствия действительности художники часто выезжали на пленэр и писали с натуры.

Рис. 22. Дж. Э. Милле «Офелия», 1852г.

Рис. 23. У. Х. Хант «Наемный пастух», 1851г.

Рис. 24. Форд Мэдокс Браун «Любопытные барашки», 1852г.

Картина Ф. Брауна (одного из членов сообщества прерафаэлитов) стала первым большим произведением, полностью написанным на пленэре.

Впоследствии художники этого сообщества стали наиболее уважаемыми в Великобритании. (Ульям Хант до сих пор считается художником, получившим самый большой гонорар за картину при жизни – 2,5 млн. фунтов «Нахождение Спасителя в храме»). Прерафаэлиты стали предвестниками больших перемен в живописи 20 в.

Еще одно новаторское направление живописи складывалось в Европе, в Париже – культурном центре Старого Света. Художник Эдуард Мане приобрел скандальную популярность благодаря сюжетам своих картин. Он, также как и прерафаэлиты стремился раскрыть тему роли женщины в современном мире. На его полотнах часто изображены проститутки, иногда в самом непристойном виде.

Рис. 25. Э. Мане «Олимпия», 1863г.

Рис. 26. Э. Мане «Завтрак на траве», 1863г.

Еще один художник, прославившийся особенным взглядом на женщину, был Эдгар Дега. Наиболее популярен он стал, благодаря многочисленным зарисовкам балерин. Причем, интерес у него вызывали не звезды сцены, а «закулисные мышки». Для Дега характерна передача настроения кулуарной жизни, бытовой обстановки актрис, их трудовые будни. В целом отношение художника к натурщицам было несколько циничное – он видел в женщинах не возвышенное божественное создание, а биологический вид. Поэтому в работах Дега натурщицы часто предстают в неловких позах, как бы подсмотренных художником, пока девушки занимаются каждодневными делами.

Рис. 27. Э. Дега «Ванная», 1885г.

Рис. 28. Э. Дега «Балерина и женщина с зонтом», 1882г.

Рис. 29. Э. Дега «Гладильщицы»

Изображение женского тела без прекрас, послужило началом течения натурализм. Для художников, работающих в таком стиле свойственно изображать моделей в их бытовой обстановке, не позирующих специально, а занятых обычными хозяйственными или трудовыми делами. Стиль характерен откровенной демонстрацией физиологического тела человека, деэстетизация Э. Дега участвовал в выставках импрессионистов (с 1874 по 1886г.), однако его отличало от остальных художников то, что он не работал на пленэре. Дега говорил импрессионистам: «Вам нужна жизнь естественная, мне - искусственная». Но тут речь не столько о пленэре, не об освещении, а об искусстве, о среде обитания горожан. Тем не менее, концепция его работ совпадала с идеями импрессионистов – запечатление окружающего мира в его изменчивости, передавая не только атмосферу, но и свои личные впечатления от восприятия. Главной целью было отображение взаимодействий предмета с окружающей средой, поэтому в работах импрессионистов можно найти одинаковые сюжеты, воспроизведенные в различных условиях. Методика импрессионистов представляла собой нанесение на холст чистых красок раздельными мазками в расчете на оптическое смешение. Это создавало более живую и светлую живопись, однако, уменьшало традиционное представление о рисунке, как главной составляющей части произведения. Современники критиковали такую технику из-за незаконченного вида работ, но идеи передачи впечатлений от ускользающих мгновений жизни нашла своих сторонников и последователей. Импрессионизм совершил революцию в художественной деятельности и стал основой для развития новых концепций, получивших общее название «постимпрессионизм».

Одним из основателей импрессионизма был Огюст Ренуар. Его несколько «рафинированные» изображения также отражают повседневную реальность горожан. Ренуар и его друг Клод Моне первыми прибегли к использованию плоских кистей и развивали новую технику различных мазков. Более всего художников привлекала сложнейшая задача изображения полуденного света. Их идеи разделял Камиль Писсарро (пейзажист) и Жан Фредерик Базиль. Эти четверо основали в 1874г. анонимное общество живописцев, скульпторов и граверов, объединившее всех художников, выступающих против догм академизма. Первоначально не было сформировано никаких единых принципов сообщества, кроме противопоставления традиционным канонам в изобразительном искусстве. Позже художники начали называть себя импрессионистами, т.е. передающими впечатление.

Рис. 30. О. Ренуар «Лягушатник», 1869г.

Рис. 31. К. Моне «Дама с зонтиком», 1886г.

Рис. 32. К. Писсарро «Бульвар Монмартр», 1897г.

Рис. 33. К Писсарро «Предместье Лувесьенна», 1871г.

Рис. 34. К Писсарро «Вид на Бэзинкорт, мороз, утро», 1892г.

Течение импрессионистов объединило многих художников разного жанра, разного характера исполнения. Самой экспрессивной манерой живописи отличалась женщина-импрессионистка Берта Моризо. Её работы узнаваемы благодаря смелым характерным мазкам и светлым тонам.

Рис. 35. Б. Моризо «Колыбель», 1872г.

Рис. 36. Б. Моризо «Одевающаяся женщина»

Другой прославившийся художник, выросший в среде импрессионистов – Поль Сезанн. Как и многие его современники, он стремился найти свою концепцию стиля, внести бессмертный вклад в живопись, создав нечто новое. Благодаря сотрудничеству с Камилем Писсарро, в работах Сезанна появляются пейзажи, наполненные цветом. А многочисленные эксперименты с перспективой, сменой ракурсов сподвигли художника на разработку нового принципа «беспрерывной живописи», когда один и тот же натюрморт писался с разных точек обзора (и происходило смещение перспективы). В пейзажах задний план полон насыщенных цветов, в то время как на переднем преобладают холодные оттенки, что придавало «плоскостность» картине, лишало её глубины. Значительное внимание Сезанн уделял формированию объема с помощью цвета, а не тона. Эти новаторские эксперименты послужили основой для развития целого стиля «сезаннизм», названным в честь самого художника.

Рис. 37 П. Сезанн «Улица (стена)», 1875-1876гг.

Рис. 38. П. Сезанн «Дома вдоль улицы», 1881г.

Рис. 39. П. Сезанн «Натюрморт с вишнями и персиками», 1883-1887гг.

Рис. 40. П. Сезанн «Натюрморт с кружкой и тарелкой с яблоками», 1890г.

Пожалуй, самой необычной техникой живописи в среде импрессионистов выделялся художник Жорж Сёра. Его работы выполнены в удивительно скрупулезной манере точечного письма. Он наносил краску на холст маленькими одинаковыми мазками чистым цветом и при восприятии с некоторого расстояния чистые цвета сливались в сложную гамму. Но такая живопись требовала много времени, поэтому пропадал тот дух мимолетности, свойственны всем картинам импрессионистов. Впоследствии эту манеру письма выделят в особый стиль «пуантилизм» (от фр. Point – точка).

Рис. 41. Ж. Сёра «Воскресный день на острове Гранд Жатт», 1884-1886гг.

Рис. 42. Ж. Сёра «сена в Гранд Жатт, весна», 1888г.

Рис. 43. Ж. Сёра «Купальщики в Аньере», 1884г.

Русский критический реализм.

Явление отрицания академических приемов в живописи было свойственно и для русской культуры. Проявилось это в новых сюжетах, начиная с 1860-х. Художники обращаются к теме «маленького человека». Появились тяжелые, наполненные отчаяньем картины. Авторы, изображающие судьбы отдельных простых людей стремились привлечь внимание к социальным проблемам общества. Их работы наполнены состраданием, желанием изменить действительность. Многие сюжеты типичны, будто «выхвачены» из жизни, поэтому вызывали очень острую реакцию у современников – зрители плакали перед полотнами, дамы падали в обморок. Художники будто заставляли публику взглянуть на стороны жизни, от которых та, как правило, отворачивается. Это была критика несправедливого общества, обращенная к каждому человеку. Каждый созерцавший картины, будто испытывал себя на проверку человеческого качества.

Рис. 44. Василий Пукирев «Неравный брак», 1862г.

Рис. 45. Василий Перов «Тройка. Ученики мастеровые воду везут», 1866г.

Рис. 46. Василий Перов «Проводы покойника», 1865г.

Наиболее тяжелые психологические картины русского реализма созданы Василием Перовым. В них художник раскрывает драму наиболее униженных и обездоленных. Серая бытовая среда этих полотен напоминает земной ад, атмосфера наполнена отчаяньем и безысходностью. Однако, есть у Перова и более жизнерадостные картины – «охотники на привале», «рыболов», где проявляется талант художника в передаче особой душевности и человеческой теплоты. Именно об этом – о человечности – говорят русские реалисты.

Рис. 47. Леонид Соломаткин «Утро у трактира», 1873г.

Картины Леонида Соломаткина обладают большей гротескностью, яркостью красок. Критики обвиняли его в излишней карикатурности, однако, образы, созданные им, обладали живым, достоверным характером, а детали передавали не только настроение сцены, но и историю персонажей, их жизнь.

В 1863г. в Российской Академии Художеств произошло событие, получившее название «бунт четырнадцати». 14 талантливых молодых выпускников отказались писать дипломную работу и были отчислены. Впоследствии эти художники организовали «передвижные выставки» и получили название «передвижников». Идея их выставок была в том, чтобы сделать искусство всенародным и общедоступным. Они создавали свои картины не для музеев, а для простых людей. Поэтому было решено экспонировать их не только в Москве и Петербурге, но и в других городах России. При этом выставки не ограничивались только демонстрацией картин – организовывались обсуждения, дискуссии, привлекающие к социальным проблемам таких популярных деятелей как Тургенев, Достоевский, Менделеев и др. Основная тема для творчества – борьба добродетели и порока в человеке, в обществе, в жизни, проблема выбора между добром и злом, поиски путей к спасению, к красоте, а также тема богочеловека. Противостояние света и тьмы происходит не только в сюжетах полотен, но и в цветовой палитре – для работ характерен контраст светлого и темного. Портреты, написанные передвижниками, будто погружаются во мрак - демонстрируют облик персонажа, вырывающегося из мрачного окружения («Портрет Достоевского», рис. 50). Пейзажи и библейские сюжет решены в тяжелых, холодных тонах, допускающие только слабое контрастное освещение.

Рис. 48. В. Перов «Христос в Гефсиманском саду», 1878г.

Рис. 49. И. Крамской «Христос в пустыне», 1872г.

Рис. 50. В. Перов «Портрет Достоевского», 1872г.

Рис. 51. Николай Ге «Вестники Воскресения», 1867г.

Рис. 52. Н. Ге «Христос в Гефсиманском саду», 1889г.

Несмотря на общее драматическое настроение выставок передвижников, на них присутствовали и более позитивные работы, которые выражали то светлое, что присуще русским людям – христианскую веру, праведную жизнь, семейные ценности. Эти картины будто воспитывали в людях лучшее, напоминали о традициях. Известный художник Василий Максимов как никто другой сумел передать атмосферу деревенской жизни. Несмотря на все тяготы, крестьяне предстают в его работах достойными преемниками традиционных укладов. Максимов рассказывает нам о теплоте и искренности взаимоотношений, семейной привязанности и любви. Тема психологических портретов присутствует и в картинах Владимира Маковского. Он удивительно точно мог передать чувства людей и, глядя на некоторые его работы, зритель начинает, будто читать мысли персонажей – угадывать горечь сквозь улыбку, равнодушие или отчаяние через едва уловимые жесты, взгляды.

Русские реалисты говорили с публикой о насущных проблемах с пронзительной теплотой, заставляя вглядываться в окружающий мир, чувствовать, сострадать. Они учат нас до сих пор острее и больнее воспринимать реальность и понимать, что такое жизнь.

Рис. 53. К. Савицкий «Встреча иконы», 1878г.

Рис. 54. В. Максимов «Сборы на гулянье», 1869г.

Рис. 55. В. Максимов «Слепой хозяин», 1889г.

Рис. 56. В. Маковский «Свидание», 1883г.

Рис. 57. В. Маковский «На бульваре», 1887г.

На выставках передвижников присутствовали также и пейзажи. И в них так же, как и в остальных жанрах проявляется особое отношение к русской жизни, к русской природе. Типичные для России панорамы представлены во всей своей характерной красоте чуждой и непонятной иностранцу. Широкие размытые весенней распутицей дороги, просторные поля и болота, непроходимые лесные дебри – великая русская природа, запечатлена и воспета в картинах передвижников. Это не просто отображение, передача действительности – это признание в любви родной природе. С трепетом и вниманием художники изображают обыденные пейзажи, и характерные привычные панорамы обретают такое величие, что зрителей заполняет чувство восхищения и гордости. Авторы показывают мир таким, какой он есть и раскрывают красоту во всем, даже в сером талом снеге, в голых березах и чернеющих лужах.