Французский театр
Суфлеру отводилось достаточно важное место в подготовке спектакля. Он переписывал для актеров разборчиво каждую роль отдельно и за определенную плату переплетал листы в виде книжки с обложкой. В инвентаре суфлера также всегда присутствовали колокольчик и свисток. По звуку свистка приходили в движение и переносились декорации, а колокольчик оповещал оркестр о музыкальном вступлении.
Театральное пространство. В 1576 году в Лондоне Джемсом Бёрбеджем был выстроен первый театр, который так и назывался – «Театр». За ним последовало строительство сразу нескольких театральных зданий. Большие деревянные здания публичных театров были различной формы: круглые, квадратные или восьмигранные. Крыши у здания не было, имелся только небольшой навес над сценой. Эти театры могли вместить до 2000 зрителей. Основная масса зрителей, состоявшая из простого народа, смотрела спектакль стоя. Богатые горожане занимали места в галереях, которые тремя ярусами располагались в круглых стенах театра.
Английский театр
С начала XVI века английское театральное искусство подошло к новому этапу – началу развития гуманистической драмы, которая начала формироваться на фоне политической борьбы королевской власти с католической церковью. С театральных подмостков звучала неприкрытая острая критика и пропаганда новой гуманистической идеологии, которая облекалась в одежды привычных интерлюдий и моралите. Новый театр родился из средневекового фарса. Сатирические интерлюдии начала XVI века стали связующим звеном между средневековым фарсовым театром и зарождавшимся драматическим театром.
Ставились переводы на ангийский язык Плавта, Сенеки, Боккаччо и др. Первые образцы национальной комедии и трагедии на театральных подмостках появились в середине XVI века. Николас Юдол – автор первой английской комедии «Ральф Ройстер Дойстер» (ок. 1551) – был образованным придворным организатором развлечений и своими произведениями пытался научить людей «хорошим жизненным правилам». Пьеса «Горбодук» (1562) Томаса Нортона и Томаса Секвила была впервые показана при дворе королевы Елизаветы и считается первой английской трагедией.
Предшественник У. Шекспира – известный английский драматург Джон Лили (ок. 1554—1606) – был придворным поэтом. Истинным родоначальником английской ренессансной драмы был Кристофер Марло (1564—1593), известный драматург.
Постепенно вырисовывался образ нового героя – дерзкого и мужественного, преданного гуманистическому идеалу.
В 1599 году был выстроен театр «Глобус», в котором работал У. Шекспир. Здание имело восьмигранную форму, сцена – трапецеидальный вид, ее основание выдавалось в зрительный зал. Функциональное пространство было разделено на три части: передняя часть сцены – просцениум; задняя, которая была отделена двумя колоннами, удерживавшими соломенный навес; верхняя – балкон над задней сценой. Завершала эту сложную конструкцию небольшая башенка, на которой во время представления вывешивался флаг. Сцена обычно украшалась коврами и циновками, а занавес, в зависимости от жанра (комедия или трагедия), мог быть голубым или черным. Здание первого театра «Глобус» было уничтожено пожаром в 1613 году. После восстановления он просуществовал до 1645 года.
Шекспир. Труппа, которой руководили У. Шекспир и его друг, известный актер Ричард Бёрбедж (актер-трагик), именовалась «Слуги лорда-камергера». Доходы труппы распределялись между драматургом и ведущими актерами театра в соответствии с их паями. Как драматург и режиссер У. Шекспир синтезировал в своем творчестве все достижения театрального искусства, созданные до него, и довел это искусство до совершенства. Он определил его основное направление, которое заключалось в том, чтобы добиваться зеркального отражения сущности человеческой натуры, в каких бы формах она ни проявлялась. Советы актерам из «Гамлета» – о реалистической игре. Творчество Шекспира – вершина европейского Возрождения. Позднее английские драматурги перерабатывали пьесы Шекспира в угоду публике (н-р, «Ромео и Джульетта» со счастливым концом – Джеймс Хауард).
До восстановления монархии в Англии, в период правления Кромвеля, театр был запрещен специальным парламентским указом. Пуританское правительство считало театр рассадником безнравственности, греховности и порока. Богачи устраивали частные представления в своих замках, а в годах устраивались маскарады.
После восстановления монархии театры активно начала посещать городская знать. В Англии образовалась театральная монополия. На право организации театральной труппы и на создание театра выдавался королевский патент. А в ведении лорда-камергера находилась цензура, распространявшаяся на деятельность театральной труппы.
На сцену в женских ролях на смену юношам шекспировского театра вышли актрисы. Среди самых талантливых женщин-актрис периода Реставрации можно выделить Нелл Гуин, Элизабет Барри, Элинор Ли. Основным направлением был классицизм (закон трех единств).
В XVIII веке значительно расширился репертуар драматических театров. Спектакли состояли из нескольких актов и после представления дополнялись фарсом, пантомимой, музыкальным дивертисментом (интерлюдией) или выступлениями клоунов и акробатов. Концовку спектакля также могла украсить пародия на какую-либо популярную пьесу или оперу. Появилось также такое явление в театрализованном представлении, как «живые картины» и «парадные шествия».
Когда в конце XVII века усилилась деятельность многочисленных обществ по исправлению нравственности, ужесточилась и театральная цензура. В пьесах авторам запрещалось касаться политических вопросов и критиковать государственных лиц.
В результате такого закона появилась государственная монополия на театры, т. е. все театры в Лондоне были закрыты, кроме центральных – «Ковент-Гарден» и «Друри-Лейн».
Режиссуры как таковой в то время еще не существовало, и в ходе репетиций текст мог подвергаться различным самовольным изменениям. Часто функцию режиссера спектакля брал на себя драматург. Иногда актеры на сцене несли такую отсебятину, что их партнеры смехом срывали спектакль. Один актер даже был арестован за такую выходку при короле.
Важным структурным элементом спектакля была музыка. Многие драматурги специально работали вместе с композиторами над созданием музыкальных номеров для своих пьес. Расположение оркестра в театре несколько раз менялось. Сначала он размещался над сценой, в глубине сценического пространства. Зрители не могли видеть музыкантов. Место, где находились музыканты, называлось «музыкальный чердак». Позже он переместился вниз и расположился между сценой и партером, еще позднее опустился в нижний уровень, под сцену. Музыкальная увертюра (обязательно «во французском стиле») предшествовала прологу спектакля. «Мелодия под занавес» завершала каждый акт. В эту эпоху возник новый вид драматического спектакля, который в наше время называется «оперетта». Такой же составной частью драматического спектакля, как и музыка, являлись танцевальные миниатюры. И неважно, была ли это трагедия или комедия, обычный фарс или пьеса-пародия. Эти танцевальные миниатюры позже получили свое развитие в балете.
Театральными афишами и программками английский театр обязан французским гастролерам. В программке писались не только имена актеров, но и описывалось действие театральных машин, а также приводились тексты писем, встречающихся в спектакле (чтобы актеры не читали их подолгу). Театральная газетная хроника описывала все, что происходило на сценах театров и за их кулисами, до малейших подробностей. Зрительный зал театра, заполненный людьми, представлял собой зеркальное отражение английского общества. Он был местом деловых встреч и любовных свиданий. В театре собирались люди из разных сословий. Лучшие места в партере всегда занимали знатные люди и критики. В партере публика была смешанная, и поэтому партер часто становился местом шумных споров и потасовок, переходивших зачастую в дуэли. Средняя галерея отводилась женщинам легкого поведения, которые появлялись в театре, закрыв лицо масками. В верхней галерее размещалась прислуга, сопровождавшая господ, и бесплатные зрители.
Несмотря на то, что сценическое искусство в течение всего средневековья оставалось непрофессиональным, в актерской среде появлялись целые династии и таким образом формировался слой артистов-профессионалов. Среди имен театральных деятелей первой половины XVI столетия стоит назвать Пьера Гренгора (1475—1540), талантливого французского поэта и драматурга. Виктор Гюго попытался воссоздать в своем знаменитом романе «Собор Парижской Богоматери» образ драматурга Гренгора, однако изображенный им бродячий поэт Гренгуар оказался очень далек от своего исторического прототипа.
Вторая половина XVI века ознаменовалась появлением во Франции регулярного профессионального театра. В связи с этим возникла необходимость в стационарных залах для показа спектаклей, специальном сценическом оборудовании и новом репертуаре. Первый национальный театр, получивший название «Бургундский отель», был построен в Париже братством Страстей Господних в 1548 году.
XVII век стал временем расцвета классического искусства во Франции. Возникшая здесь сценическая школа во многом определила стиль драматургии и актерской игры театров всего мира: практически во всех спектаклях того периода прослеживается торжественность и подчеркнутая величавость поз, движений и жестов исполнителей, высокое декламационное мастерство. Принцип «облагороженной природы», благородство декламационного искусства исполнителя, то есть его l’art de declamation. Актеры эпохи классицизма действовали, переживали на сцене, но не перевоплощались. Это обстоятельство вынуждало подбирать на ту или иную роль исполнителей, близких по психическим и физическим характеристикам герою. Таким образом, возникали всевозможные актерские амплуа.
Постепенно была выработана серия условных, так называемых страстных жестов. Каждая страсть имела не только определенную пластическую форму, но и естественное выражение в голосе: «Так, любовь требует нежного, страстного голоса; ненависть – строгого и резкого; радость – легкого, возбужденного; гнев – стремительного, быстрого, нечленораздельного; презрение – легкого, как бы насмешливого; удивление – потрясенного, наполовину умолкающего, наполовину слышного; жалоба – кричащего, сварливого, страдальческого». При этом следовало соблюдать закон о благородном и ясном произношении текста. Нормой трагедийного языка в XVII веке считалась возвышенная поэтическая речь определенного стихотворного размера, так называемый александрийский стих. Он требовал от актера особой постановки голоса и развитого сильного дыхания.
Сценический костюм определялся вкусами взыскательной великосветской публики: обычно исполнители ролей в пьесах на античный сюжет облачались в огромные парики, бархатные камзолы, перчатки и украшались яркими бантами. Платья актрис должны были соответствовать моде. Костюмы актеров претерпели существенные изменения во второй половине XVII века. К тому времени было создано стандартное римское одеяние.
Особое значение для французского театра эпохи классицизма имела деятельность прославленных драматургов XVII столетия: Пьера Корнеля, Жана Расина и Жана Батиста Мольера, пьесы которых и сегодня с успехом ставятся на сценах театров мира.
Темы сообщений на следующий раз:
1. Шеридан.
2. Театр «Друри Лейн».Актер Гаррик.
3. Актеры и актрисы «Комеди Франсез».
4. Вольтер – драматург.
5. Учение Дидро о театре.
6. Гольдони и Гоцци – противостояние.
Тема 6. Театр епохи Просвіти.
Розвиток теоретичних засад театрального мистецтва. Шерідан, Д.Дідро. Просвітницький класицизм, реалізм та сентименталізм в театрі.
Англійський театр. «Комедія норовів», «весела» та «сентиментальна» комедії. Театр «Друрі Лейн». Д.Ґаррік.
Французький театр. «Комеді Франсез». Бульварні театри. Просвітницька драматургія: Вольтер, Бомарше.
Італійський театр. Реформування «комедії норовів». К.Гольдоні. Зародження жанру ф`яби. К.Гоцци.
Німецький театр. «Буря і натиск». «Фауст» Гете. Шиллер.
В XVIII веке началась эпоха Просвещения, основным содержанием которой стала решительная борьба с феодализмом. В разных странах Просвещение прошло свой путь развития. В середине XVII века в Англии свершилась буржуазная революция, но затем монархия возродилась. Французская революция полностью уничтожила феодальные основы в Европе. Это случилось потому, что французская революция идеологически была подготовлена учеными-просветителями. За те сто лет, что прошли с 1689 (английская революция) до 1789 года (французская революция), Просвещение проделало громадный путь. В Германии Просвещение развивалось совсем иначе. Дело в том, что буржуазное законодательство попало в страну с армией Наполеона, поэтому немцы могли опираться на опыт англичан и французов. В Германии тоже была революция, но не политическая, а художественная и философская. В Италии у Просвещения был наиболее узкий характер. Но и в этой стране на первые роли выдвинулись многие мыслители и художники.
Свои идеи о свободе личности просветители черпали из эпохи Возрождения. Первый период просветительского искусства назывался периодом просветительского классицизма. В это время разум явно преобладал над чувством. Следующим этапом стал период просветительского реализма. Последний, третий, этап – период сентиментализма – прошел под знаком чувства (причем не обязательно «сентиментального», чувством мог быть и пафос, и гнев, и сатира.
В идеологических сражениях против старых устоев просветители на первое место ставили театр. XVIII век стал одной из великих эпох развития этого вида искусства, и многие произведения этой эпохи вошли в репертуар мирового театра.