"Век просвещения" на примере венских классиков

Введение

Во всемирную историю 18 век вошёл как «век разума и просвещения». Торжество свободной человеческой мысли, победившей средневековое мировоззрение, приводит к стремительному развитию естественных наук, литературы и искусства.

Рождение и взаимодействие многих жанров и художественных стилей в музыке 18 века, широкое распространение в быту музыкальных инструментов и складывавшиеся традиции музыцирования, возникновение хоровых капелл, оркестров, оперных групп, развитие музыкального образования и становление концертной деятельности, появление национальной композиторской школы подготовили создание и расцвет классической музыки в 19 веке.   Главное место среди музыкальных жанров являлась опера. Комическая опера сложилась в странах с развитой оперной культурой в качестве альтернативы придворной опере-сериа (ит. opera seria – серьезная опера), принципы которой были разработаны в 17 в. итальянскими композиторами неаполитанской школы (в частности, А.Скарлатти).

Национальные разновидности комической оперы.

Родиной комической оперы считается Италия, где этот жанр носил название опера-буфф (итал. opera buffa – комическая опера). Ее источниками стали комедийные оперы римской школы 17 в. и комедия дель арте. Поначалу это были забавные интермедии, вставлявшиеся для эмоциональной разрядки между актами оперы-сериа. Первой оперой-буффа стала «Служанка-госпожа Дж. Б.Перголези», написанная композитором как интермедии к своей же опере-сериа Гордый пленник (1733). В дальнейшем оперы-буффа стали исполняться самостоятельно. Их отличали небольшие масштабы, малое количество действующих лиц, арии буффонного типа, скороговорка в вокальных партиях, усиление и развитие ансамблей (в противовес опере-сериа, где основой были солирующие партии, а ансамбли и хоры почти не использовались). В музыкальной драматургии базой служили песенные и танцевальные народные жанры. Позже в оперу-буффа проникли лирические и сентиментальные черты, сдвигавшие ее от грубоватой комедии дель арте к прихотливой проблематике и сюжетным принципам К.Гоцци. Развитие оперы-буффа связано с именами композиторов Н.Пиччини, Дж.Паизиелло, Д.Чимароза.

Во Франции жанр развивался под названием opéra comique (фр. – комическая опера). Возник как сатирическая пародия на «большую оперу». В отличие от итальянской линии развития, во Франции жанр изначально формировался авторами-драматургами, что обусловило сочетание музыкальных номеров с разговорными диалогами. Так, автором первой французской opéra comique считается Ж.Ж.Руссо (Деревенский колдун, 1752). Музыкальная драматургия opéra comique развивалась в творчестве композиторов Э.Дуни, Ф.Филидора. В предреволюционную эпоху opéra comique приобрела романтическую направленность, насыщенность серьезными чувствами и актуальным содержанием (композиторы П.Монсиньи, А.Гретри).

Эпоха классицизма.

Классический стиль в музыке достиг своей зрелости, высокого расцвета в творчестве Гайдна (1732 – 1809гг.), Моцарта (1756 – 1791гг.), Бетховена (1770 – 1827гг.).

В общем, классицизм – это ведущее художественное направление в европейской культуре, искусстве и архитектуре конца 18 – начала 19 века, для которого характерно стремление воссоздать дух и форму искусства, стремление к выражению возвышенных героических и нравственных идеалов.

В музыкальном искусстве «классический» означает образцовый, совершенный, непревзойдённый.

Выступления венских классиков – это рождение вокальной и инструментальной музыки, что в принципе было родственно художественным античным произведениям, по крайней мере, в тщательной отделке формы произведений в целом и во всех деталях, в их органической связности.

Сонатно-симфонический цикл.

         Сонатно-симфонический цикл сформировался в 18 веке. В его основе две противоположные темы. В сонатной форме три раздела: экспозиция, разработка, реприза. В экспозиции две темы, разные по характеру. Одна – главная, а другая побочная. У них разный темп и часто разные тональности. В разработке развиваются и сопоставляются, чередуются и варьируют две темы. Часто происходит смена тональности. В репризе повторяются темы экспозиции.

         В переводе «цикл» означает многочастность, а «симфония» - созвучие, согласие.

Венские классики.

        Венские классики – это гении «века просвещения», сыгравшие огромную роль в истории и развитии музыкальной культуры 18-19 веков. «Венскими классиками» принято считать таких композиторов как Гайдна, Моцарта, Бетховена. В своих произведениях они отразили оптимистическое утверждение жизни, действительность в развитии, диалектическое соотношение образной многогранности и целостности содержания.

          Творчество Моцарта, всеобъемлющее по охвату жанров и по широте музыкально-стилистических связей — один из важнейших этапов в мировом развитии оперы, симфонии, концерта и камерной музыки. В нём обобщён многовековой опыт композиторов различных стран. Завершая 18 век, оно оказало влияние на позднее творчество И. Гайдна и непосредственно подвело к 19 веку — к героике Л. Бетховена.

Музыка Гайдна демократична по самому своему существу. Не так уж часто прибегая к прямому цитированию народных напевов, композитор буквально пропитал свои сочинения народно-песенными элементами во всем их жанровом разнообразии. Сочинения Гайдна пронизаны интонациями австрийских и венгерских песен и танцев.

Бетховен замечательно обогатил сокровищницу музыкального искусства вдохновенными образами героической драматической борьбы, глубоких философских раздумий и проникновенного созерцания красоты природы.

        Самым старшим классиком был Йозеф Гайдн, произведения которого стали достоянием людей всего мира. С наибольшей полнотой, яркостью и самобытностью в его произведениях раскрыто оптимистическое мироощущение композитора, лишь иногда оттеняющееся сумрачными настроениями. Но их всегда преодолевают неиссякаемое гайдновское жизнелюбие, острая наблюдательность, весёлый юмор, простое, здоровое и вместе с тем поэтическое восприятие окружающей действительности.  За долгую жизнь Гайдном было написано свыше 100 симфоний, более 80 струнных квартетов. 52 сонаты для клавира, около 30 опер и многой другой музыки для различных инструментов. «Папаша Гайдн»,- с любовью говорили о нём собратья-музыканты, потому что он был добр в жизни и в музыке. Судьба не баловала его... И всё же он не утратил любви к людям. Его называют «отцом симфонии», потому что его симфонии стали образцами законченности и совершенства. В его музыке живут народные австрийские мелодии, его музыка полна жизни и радости. Произведениям Гайдна присущи стройность и уравновешенность формы, светлый, жизнеутверждающий характер. В своей музыке Йозеф Гайдн сумел передать чувства, мысли и настроение своего времени.

Оратории Гайдна были созданы в послелондонский период, в последние годы жизни композитора. Непосредственным поводом к написанию их послужило знакомство с ораториями Генделя, которые произвели на Гайдна неизгладимое впечатление.

Оратория ”Времена года” была закончена в апреле 1801 г. и тогда же исполнена в Вене. Пожалуй, ни одно произведение не приносило Гайдну такого триумфального успеха. ”Времена года” – последняя и самая яркая кульминация творчества музыканта, за которой начинается угасание его гения.

Текст оратории “Времена года” (как и текст ”Сотворения  мира”) был написан бароном  Ван  Свитеном (на основе перевода с английского и обработки материалов тетралогии поэм Джеймса Томсона  ”The Season” 1726-1730). Согласно воспоминаниям современников, Гайдн жаловался на то, что текст ”Времен года” недостаточно поэтичен и вынуждает его иллюстрировать музыкой то, что подобной иллюстрации не поддается. Однако и эти трудности были, по существу, успешно преодолены композитором.

Оратория ”Времена года” - произведение обобщенно-философского содержания: Гайдн раскрыл в ней свое представление о самых значительных проблемах бытия, о человеке и окружающем его мире, о главных ценностях жизни. В таком подходе к жанру оратории композитор следует сложившейся традиции, прежде всего традиции Генделя. Однако само содержание гайдновского произведения было ново, впервые в истории жанра он обращался к народным образам, рисовал картины деревенской природы, крестьянского быта. Важнейшая образная сфера произведения – мир природы. Картины природы, совершающей свой годовой цикл, получают у него не только красочно-живописное, но и философское толкование.

Музыкальный язык ораторий близок языку зрелых симфоний Гайдна. Композитор и здесь опирается на народно-жанровый тематизм. Вместе с тем тяготение к описательности и картинности мышления проявились в использовании приемов звукоизобразительности, в красочности оркестровой палитры. Картинность, программная описательность становится здесь господствующим принципом музыкального письма. Этот принцип получит развитие в дальнейшем творчестве Бетховена (в Шестой ”Пасторальной симфонии”), позже в 19 веке - в программно-описательном симфонизме Берлиоза.

Оратория Гайдна связала прошлое (генделевскую традицию) и будущее. Она со всей полнотой выразила настоящее.

 Жизнерадостность и легкость характера музыкального произведения роднит музыку Гайдна с музыкой Моцарта. МОЦАРТ Вольфганг Амадей — австрийский композитор. В возрасте 4 лет Моцарт играл на клавесине, с 5—6 лет начал сочинять (1-я симфония исполнена в 1764 в Лондоне). Клавесинист-виртуоз выступал также как скрипач, певец, органист и дирижёр, блестяще импровизировал, поражая феноменальным музыкальным слухом и памятью. С 6 лет с триумфом гастролировал в Германии, Австрии, Франции, Англии, Швейцарии, Италии. В возрасте 11 лет выступил как театральный композитор (1-я ч. сценической оратории “Долг первой заповеди”, школьная опера “Аполлон и Гиацинт”). Год спустя создал немецкий зингшпиль “Бастьен и Бастьенна” и итальянскую оперу-буффа “Притворная пастушка”. В 1770 папа римский наградил его орденом Золотой шпоры. В том же году 14-летний музыкант после специального испытания был избран членом Филармонической академии в Болонье, здесь Моцарт некоторое время брал у Дж. Б. Мартини уроки композиции. Среди великих музыкантов прошлого Моцарт был первым, кто предпочёл необеспеченную жизнь свободного художника полукрепостной службе у владетельного вельможи. Моцарт не хотел принести в жертву господствовавшим вкусам свои идеалы, мужественно отстаивал творческую свободу и личную независимость. Моцарт обосновался в Вене. У него появилась семья (из шести детей только два сына пережили отца; младший стал музыкантом,  Моцарт Ф. К. В.). Хлопоты о службе остались безуспешными. Средства к существованию композитор добывал эпизодическими изданиями сочинений (большинство крупных произведений опубликовано посмертно), уроками игры на фортепиано и теории композиции, а также “академиями” (концертами), с которыми связано появление его концертов для фортепиано с оркестром.

 Третьим из великих классиков был Людвиг Ван Бетховен. Он был революционером в музыке, каждая строка его сочинений была неожиданной, потрясающей ум и сердце.

 В 1787 году Бетховен поехал в Вену. Он горел желанием брать уроки у Моцарта. Сам Моцарт о юном Бетховене говорил: «Обратите на него внимание! Он всех заставит говорить о себе!». Бетховен также занимался у других венских музыкантов, в том числе и Антонио Сальери (его считали убийцей Моцарта). Людвиг в течение года (1792) брал уроки у Й. Гайдна, который называл его своим любимым учеником. Но сам Бетховен сказал: «…Хотя я и получил от Гайдна кое-какие уроки, я так ничему не научился у него…».

         В самом расцвете творчества Бетховена сразил страшный удар – он оглох.…Но он продолжал работать и бороться с судьбой. И вышел победителем! Герой музыки Бетховена – сильный, мужественный и великодушный человек, борец и победитель. Музыке такого композитора, как Бетховену, свойственны смелые полифонические наклонения, сложные и резкие звуковые сочетания. Людвиг Ван Бетховен считал, что музыка призвана «высекать огонь из мужественного сердца». Всё это определило характер его лучших, наиболее значительных произведений, к которым принадлежит и пятая симфония. Гениальная пятая симфония является примером очень большой «ёмкости» формы классической симфонии, позволяющей отразить большое, глубокое содержание. Симфония как будто стремится отразить всё многообразие жизни, её вечно кипучее движение, борьбу и вместе с тем глубокую связь различных явлений жизни. Бетховен отказался от включения в симфонию менуэта в том виде, в каком он существовал в танцевальной музыке. Он сохранил некоторый оттенок танцевальности в третьей части, но придал ей гораздо большую подвижность, стремительность, бурную весёлость. Со времени Бетховена третья часть получила название скерцо: в буквальном переводе это значит «шутка»; хотя далеко не всегда скерцо носит шутливый характер. Ритм скерцо симфонии №5 снова приводит на память тему судьбы с её стучащим ритмом. Но этот ритм утратил присущую ему устремлённость, стал более мерным, устойчивым. Он подчинялся общему, уверенному, мужественному характеру этого скерцо. Сам Бетховен сказал про «мотив судьбы»: «Так стучится судьба в двери к человеку».

         Великая троица представляет в музыке стиль классицизма. Но у двух ранних венских классиков - Гайдна и Моцарта - этот классицизм совсем иной, чем у Бетховена, еще с признаками стиля рококо, с мелкими финтифлюшками, беспрерывно украшающими музыкальную речь.

Приложение.

Моцарт в 1762 г. В возрасте шести лет. Он представлен в придворном наряде, первоначально предназначавшемся для эрцгерцога Максимилиана и подаренном Вольфгангу императрицей Марией Терезией. Картина приписывается Пьетро Антонио Лоренцони.