Реферат: Культура Европы в XVII–XVIII веках

Реферат

«Культура Европы в XVII–XVIII веках»

1.  Духовная жизнь

В истории Европы XVII век отмечен торжеством нового стиля барокко в искусстве и скептицизма в духовной жизни общества. После заполненного энтузиазмом и верой в способности человека эпохи Возрождения приходит разочарование, отчаяние и трагический разлад отдельной личности с окружающим миром. Человек, со времен средневековья привыкший ощущать себя в центре мироздания, вдруг оказался затерянным на огромной планете, размеры которой ему стали известны. Звездное небо над головой перестало быть надежным куполом и превратилось в символ бескрайности пространства, которое манило и одновременно отталкивало и пугало. Европейцам пришлось вновь обрести себя и приспособиться к сильно изменившемуся окружающему миру.

В начале XVIII века в континентальной Европе на смену скептицизму и рационализму барокко пришла эпоха Просвещения и искусство рококо. Главной идеей Просвещения был оптимизм и твердая вера в то, что человечество можно изменить путем повышения его образованности (отсюда и название данного течения). Просвещение зародилось во Франции, которая облегченно вздохнула после смерти Людовика XIV и с надеждой смотрела в будущее.

Огромную роль в распространении идей Просвещения сыграло тайное общество масонов — вольных каменщиков. Происхождение масонства до сих пор остается загадкой. Сами масоны считают себя продолжателями Ордена тамплиеров, выживших после расправы в начале XIV века, члены которого основали первую ложу — тайную секцию. Ученые считают, что масоны как политическая организация возникли в начале XVIII века на основе ремесленных союзов строителей. Члены масонских лож выступали за построение нового мира на основе всеобщего равенства и братства и боролись против католической церкви, за что неоднократно предавались анафеме.

2.  Искусство Барокко и Рококо

В конце XVI века маньеризм постепенно начал уступать место барокко, высокому стилю утвердившейся абсолютной власти монархов, переживших кризис католичества и отстоявших право на существование протестантизма. Наивысший расцвет барокко пришелся на 2-ю половину XVII века, когда Европа с успехом преодолела катаклизмы религиозных войн.

Для барочной архитектуры была характерна пышная декоративная отделка со множеством деталей, многоцветная лепка, обилие позолоты, резьбы, скульптуры, живописные плафоны, создающие иллюзию уходящих вверх разверзшихся сводов. Это время господства кривых, причудливо изогнутых линий, перетекающих друг в друга, торжественных фасадов зданий и величественных архитектурных ансамблей. В живописи доминирует парадный портрет, полотна заполнены аллегориями и виртуозными декоративными композициями.

Несмотря на господство барокко, эта эпоха не была однородна в стилевом отношении. Во Франции, где были сильны тенденции строгого классицизма, старались следовать античным образцам. В Нидерландах более склонялись к натуралистическому стилю.

Барокко как стиль зародился в Италии, откуда он должен был нести в Европу свет возрожденного католицизма. Одним из самых выдающихся архитекторов-основоположников барокко стал Лоренцо Бернини. Он был назначен главным архитектором собора святого Павла — главного католического храма Рима. По его проекту в 1623—1624 годах над алтарем собора был сооружен огромный бронзовый балдахин, в качестве материала для которого по приказу Папы Урбана VIII использовали античную крышу Пантеона. Также в 1656—1665 годах Бернини выстроил грандиозную овальную колоннаду перед фасадом собора. В 1658 году архитектор возвел церковь Сант-Андреа аль Квиринале, в 1663—1666 годах — «Королевскую лестницу» в Ватикане. Блестящее мастерство Бернини проявилось в строительстве знаменитых римских фонтанов — «Фонтан тритона» и «Фонтан четырех рек». Помимо гениального архитектурного дара, Бернини обладал блестящими способностями скульптора. Он является автором гробниц Папы Урбана VIII и Александра VII в соборе святого Петра, скульптур «Давид» (1623), «Аполлон и Дафна» (1622—1625), многочисленных бюстов. В частности, во время поездки во Францию в 1665 году Бернини создал бюст Людовика XIV.

Главной живописной школой Италии эпохи барокко стала болонская, основанная тремя художниками: Аодовико Карраччи и его двоюродными братьями Аннибале и Агостино. В 1585 году они основали в Болоньи мастерскую, названную «Академией вступивших на правильный путь», в которой разработали основные принципы барочной живописи. В 1597 году Аннибале и Агостино переехали в Рим, где получили заказ на роспись галереи палаццо Фарнезе. По мнению Карраччи, реальная действительность слишком груба, поэтому ее следует облагородить, создавая на полотне идеальные образы.

Другой видный художник итальянского барокко, Караваджо Микеланджело да, наоборот стремился к максимальному реализму. Создавая картины на библейские сюжеты, художник специально старался сделать их как можно более демократичными и простыми. Таковы его полотна «Обращение Савла» (1600—1601), «Положение во гроб» (1602 — 1604), «Смерть Марии» (1606). Кроме того, он превратил натюрморт в самостоятельный жанр живописи.

Стиль барокко в Испании превратил XVII столетие в «золотой век» национальной культуры этой страны. Король Филипп IV всячески покровительствовал живописцам, создавая им наилучшие условия и щедро оплачивая их работу.

Первым крупным испанским художником барокко считается Хусепе Рибера, несмотря на то, что он еще в молодости уехал в Италию, где и прожил всю оставшуюся жизнь. Его творчество испытало влияние Караваджо, и художник старался сделать свои персонажи как можно более реалистичными. Наиболее известными работами Риберы являются «Святой Иероним» (1626), «Мучение святого Варфоломея» (1630), «Хромоножка» (1642).

Величайшим живописцем Испании XVII века стал Диего Де Сильва Веласкес, с 1623 года — придворный живописец Филиппа IV. Манера Веласкеса отличалась подчеркнутым Реализмом, некоторой жесткостью письма и поразительной жизненной правдой. В молодые годы он создал целую галерею ярких народных типов, в зрелые годы, живя при дворе, отдавал предпочтение аристократам, членам королевской фамилии, а также мифологическим сюжетам. Таковы «Вакх» (1628—1629), «Венера с зеркалом» (1651), «Менины» (1656).

Испанское барокко оказало глубокое влияние на Фландрию, где утвердился тот же стиль. Вершиной фламандского барокко стало творчество художника Питера Пауля Рубенса. Как и многие другие живописцы, в молодости Рубенс совершил поездку в Италию, где изучал памятники античности и работы мастеров Возрождения. Вернувшись на родину, он создал классический образ монументально алтарного образа барокко — «Воздвижение креста» и «Снятие с креста» (1610—1614). Для Рубенса характерны могучие и пышные человеческие тела, полные жизненной силы, большой декоративный размах. Темой его полотен были мифологические и библейские сюжеты, исторические сцены. Он стал создателем парадного барочного портрета. Наиболее известными картинами Рубенса являются: «Похищение дочерей Левкиппа» (1619—1620), «Персей и Андромеда» (1621), «Вирсавия» (1636), «Шубка» (1638).

Учеником Рубенса был художник Антонис ван Дейк, придворный живописец Карла I. Продолжатель идей фламандской школы, Ван Дейк долгое время работал в Генуе, Антверпене, а в 1631 году навсегда переехал в Лондон. Там он стал любимым портретистом королевской семьи и получал такое количество заказов, что вынужден был распределять работу между учениками, создав нечто вроде художественной мануфактуры. Его кисти принадлежат портреты: «Карл I на охоте» (1633), «Семейный портрет» (1621).

Во Франции, где классическая традиция соперничала с барокко, наиболее ярким представителем национальной школы живописи был Никола Пуссен. Своими учителями Пуссен считал Рафаэля и Тициана, творчество которых изучал во время посещения Италии. Художник отдавал предпочтение изображению мифологических и библейских сцен с использованием большого количества персонажей и аллегорий. Яркими примерами классицизма стали его полотна «Вдохновение поэта» (1629—1635), «Царство флоры» (1632), «Похищение сабинянок» (1633), «Вакханалия».

Правление Людовика XIV стало целой эпохой в развитии французского искусства. Художники и архитекторы были объединены в Академию живописи и скульптуры и Академию архитектуры. Они были призваны прославить величие «короля-Солнца» и совместными усилиями на основе компромисса между барокко и классицизмом создали новое течение, которое получило название стиль Людовика XIV. Грандиозные дворцы и парковые ансамбли должны были наглядно воплотить идею всесилия абсолютного монарха и могущества французской нации.

Руководствуясь этими принципами, архитектор Клод Перро в 1667 году начал строительство восточного фасада Лувра, так называемой «Колоннады». По проекту Либераля Брюана и Жюля Ардуэна-Мансара был сооружен Дом инвалидов — общежитие для ветеранов войны и собор. Вершиной французского зодчества этой эпохи стало возведение Версаля (1668—1689). Работами по строительству Версальского дворца и паркового ансамбля руководили архитекторы Луи Лево и Жюль Ардуэн-Мансар. В Версале свойственная классицизму строгость линий здания дворца сочетается с пышной барочной отделкой залов. К тому же, сам парк, украшенный многочисленными фонтанами, — порождение стиля барокко.

В отличие от Италии, Испании, Англии и Франции, где живописцы получали за свои полотна огромные деньги, в Голландии художникам платили очень мало. Неплохой пейзаж можно было купить за пару гульденов, хороший портрет, к примеру, стоил всего 60 гульденов, а Рембрандт, находясь на пике славы, получил за «Ночной дозор» только 1600 гульденов. Для сравнения, гонорары Рубенса исчислялись десятками тысяч франков. Голландские мастера жили в весьма скромном достатке, иногда в нищете в небольших мастерских. Их искусство отражало повседневную жизнь страны и было направлено не на прославление монархии или славы Господней, а на раскрытие психологии обычного человека.

Первым великим мастером голландской школы живописи стал Франс Хальс. Подавляющее большинство его картин составляют портреты. Он располагал большой мастерской, имел 12 детей, которые вслед за отцом стали художниками, множество учеников, вел богемный образ жизни, был обременен многочисленными долгами и умер в полной нищете.

Самыми значительными произведениями ранней голландской живописи стали групповые портреты кисти Хальса. Заказчиками выступали члены гильдий, которые просили изобразить их во время пирушки или собрания. Таковы «Офицеры стрелковой роты святого Георгия» (1616), «Стрелки гильдии святого Адриана в Харлеме» (1627). Искусство Хальса лишено глубокой сосредоточенности и психологических коллизий. На его картинах, отразивших характер самого художника, люди почти всегда смеются. Хальс создал галерею простых голландцев, немного грубоватых, но откровенных в свои чувствах — «Цыганка», «Малле Баббе», «Мальчик-рыбак», «Шут».

Ученик Хальса художник Адриан ван Остаде работал в бытовом жанре. Его сцены из сельской и городской жизни проникнуты юмором и добродушной усмешкой. Тако вы «Драка», «В деревенском кабачке», «Мастерская художника». Классиком голландского пейзажа стал Ян ван Гойен, который использовал в своих работах принципы воздушной перспективы. Лучшим его полотном считается «Вид Дордрехта» (1648).

Вторым великим живописцем Голландии, чье творчество стоит вровень с Хальсом, был Ян Вермер Делфтский. Он отдавал предпочтение бытовым лиричным композициям, изображавшим одну или двух женщин в домашней обстановке, — «Девушка, читающая письмо», «Женщина у окна», «Женщина, примеряющая ожерелье», «Бокал вина», «Кружевница». Вермеру удалось с большой эмоциональной силой показать личную жизнь горожан, а также человека в единстве с окружающей средой. Ему удалось поразительно правдиво передать серебристый дневной свет, играющий на его полотнах множеством бликов.

Вершиной голландской школы стало творчество Рембрандта Харменса ван Рейна с его глубоким психологизмом и неповторимыми золотисто-коричневыми оттенками. Как и Хальс, Рембрандт пережил период популярности, но затем разорился и кончил жизнь в ужасающей бедности.

Рембрандт писал в основном портреты, как индивидуальные, так и групповые, а также картины на мифологические и библейские сюжеты. Художник был мастером светотени, и его персонажи как выхвачены лучом света из темноты. Его полотна «Даная», «Святое семейство», «Возвращение блудного сына» по праву считаются непревзойденными шедеврами. Из групповых портретов наиболее известны «Урок анатомии доктора Тюльпа» и «Ночной дозор». Одухотворенность и поразительная эмоциональная глубина отличает «Портрет старика в красном».

Из Италии архитектура барокко распространялась не только на север, но и на восток. После окончания Тридцатилетней войны на юге Германии под руководством итальянских мастеров возводятся многочисленные барочные постройки. В конце XVII века в немецких землях появились собственные мастера, творившие в стиле барокко.

Прусский архитектор Андреас Шлютер возвел в Берлине Королевский дворец и здание цейхгауза. Если Шлютер ориентировался на итальянского скульптора Лоренцо Бернини и французские образцы, то творчество Даниеля Пеппельмана совершенно самобытно. По его проекту в Дрездене для Августа II Сильного был возведен знаменитый дворцовый комплекс Цвингер. Также по заказу Августа архитектор Пеппельман возвел Королевский дворец в Гродно.

Распространение стиля барокко в Речи Посполитой было вызвано проникновением в страну иезуитов. Первым барочным памятником в Беларуси и вообще в Европе за пределами Италии стал иезуитский костел, возведенный в конце XVI века итальянским архитектором Бернардони для князя Радзивилла в Несвиже. Подлинного расцвета этот стиль достиг во 2-й половине XVII века, когда, приобретя национальные черты, оформился в белорусское, или виленское барокко. Классическими примерами белорусского барокко стали многочисленные костелы и городская застройка в Вильно, Гродно, Минске, Могилеве, Бресте, Слониме, Пинске, перестроенный после взрыва Полоцкий Софийский собор, монастыри в Голыпанах, Барунах, Березвечье, дворцовые комплексы в Несвиже и Ружанах.

В конце XVII века из Беларуси барокко проникло в Россию, где вначале получило название нарышкинский стиль. Примером этого направления являются церковь Покрова в Филях и церковь Знамения в Дубровицах. С началом реформ Петра I барокко окончательно восторжествовало в русской архитектуре, что прежде всего проявилось при строительстве Санкт-Петербурга. Вершиной развития барокко в России стало творчество итальянского архитектора Бартоломео Франческо Растрелли. Он перестроил дворцы в Петергофе и Царском Селе, возвел в столице комплекс Смольного монастыря и знаменитый Зимний дворец.

В начале XVIII века во Франции зародился новый стиль искусства — рококо. В отличие от барокко, которое было исключительно придворным стилем, рококо было искусством аристократии и высших слоев буржуазии. Теперь главной целью мастера стало не прославление кого-либо или чего-либо, а удобство и удовольствие конкретного человека. Если барокко смотрело высоко вверх, то рококо спустилось с небесных высей на грешную землю и обратило свой взор на стоящих вокруг людей. Иногда стиль рококо называют искусством для искусства. Более верно было бы назвать этот стиль искусством для человека.

Архитекторы рококо стали заботиться о комфорте человека. Они отказались от помпезности величественных барочных зданий и старались окружить человека атмосферой удобства и изящества. Живопись также отказалась от «великих идей» и стала просто красивой. Избавленные от бурных эмоций барокко, картины наполнились холодным светом и тонкими полутонами. Рококо был, пожалуй, первый почти полностью светский стиль в истории европейского искусства. Как и философия Просвещения, так и искусство рококо отделились от церкви, отодвинув религиозные темы далеко на задний план. Отныне и живопись, и архитектура должны были быть легкими и приятными. Галантное общество XVIII века устало от нравоучений и проповедей, люди желали наслаждаться жизнью, получая от нее максимум удовольствий.

Крупнейшим мастером рококо был Франсуа Буше, который превратил свои картины в декоративное панно для украшения стены. Таковы полотна «Купание Дианы», «Триумф Венеры», «Пастушеская сцена».

Морис-Кантер Ларут смог создать портретный жанр рококо. Запечатленные на его картинах люди в полном соответствии с требованием века любезно и галантно смотрят на зрителя, стараясь вызвать у него не восхищение, но чувство симпатии. Истинные же характеры персонажей скрыты под маской светской учтивости.

Картины Оноре Фрагонара полны искреннего чувства полноты жизни, которая проходит в беззаботном наслаждении. Примером этому служат полотна «Качели» (1766), «Поцелуй украдкой» (1780).

В Германию стиль рококо пришел в 30-х годах XVIII века, так и остался на севере, так как в южнонемецких землях до конца столетия безраздельно господствовало барокко.

В 1745 году прусский архитектор Георг Кнобельсдорф начал строительство под Потсдамом дворцово-паркового ансамбля Сан-Суси. Само его название (в переводе с французского «без забот») отражало дух эпохи рококо. По заказу Фридриха II на виноградной террасе был выстроен скромный одноэтажный дворец. Однако довольно скоро рококо было вытеснено набиравшим силу классицизмом.

Английское искусство XVIII века было настолько своеобразно, что не поддается классификациям, принятым в континентальной Европе. Здесь наблюдается причудливое переплетение всех стилей и направлений, среди которых постепенно на первое место выступает классицизм.

Основоположником национальной английской школы живописи стал Уильям Хогарт. В полном соответствии с духом английского общества того времени он посвятил свое творчество политической и социальной сатире. Подлинную славу художнику принесли серии картин «Карьера мота», «Модный брак», «Выборы». Чтобы познакомить со своими работами как можно большее количество зрителей, Хогарт сам изготавливал гравюры всех своих работ маслом и распространял их большими тиражами.

Художник Джошуа Рейнолдс вошел в историю как теоретик искусства, первый президент Королевской (Лондонской) академии искусств и выдающийся портретист. Его портреты наполнены пафосом прославления героев, которые стали достойны того, чтобы их навечно запечатлели на полотне.

Если Рейнолдс отличался рациональным подходом к живописи, то творчество Томаса Гейнсборо было более, эмоциональным. Его портреты отличает поэтическое восприятие природы человека.